Dany, seize ans, et Odysseas (dit Ody), à l’aube de ses dix-huit ans, viennent de perdre leur mère Jenny. Dany était à ses côtés en Crète tandis qu’Ody vivait de petits boulots à Athènes. Leur mère, que l’alcool a détruit à petit feu, était chanteuse. La mort de cette femme de nationalité albanaise, qui avait égaré son titre de séjour sans s’en préoccuper, va bouleverser la vie de nos deux adolescents. Ody, qui va bientôt devenir majeur, encourt une éventuelle expulsion de son pays natal, la Grèce. L’unique solution serait de retrouver leur père biologique afin qu’il les reconnaisse officiellement. Ils obtiendraient ainsi la nationalité grecque et pourraient rester sans crainte dans ce pays qui est le leur. Dany et Ody décident alors de quitter Athènes et d’entreprendre un voyage pour le moins inattendu, où joies et frayeurs se côtoient au sein d’un univers mêlant une réalité sociale dure et parfois cruelle à un imaginaire fantastique peuplé d’un lapin blanc et de visions chimériques. Au cours de cette épopée ils vont passer voir une vieille connaissance, Tassos, qui pense avoir reconnu l’Innommable (nom donné à ce père évaporé). Ce père aurait changé de nom et serait maintenant un politicien d’extrême-droite entreprenant et riche.

Panos Koutras est un réalisateur qui s’attache particulièrement aux individus considérés comme des marginaux, ainsi qu’au statut des immigrés dans la société grecque d’aujourd’hui. C’est le droit du sang qui détermine la nationalité d’une personne en Grèce, non le droit du sol. En conséquence près de 200000 enfants ou adolescents sont nés sur la terre grecque, y ont toujours vécu, mais n’ont aucune nationalité légale. Sans papiers, ils ne seront jamais reconnus comme étant grecs. Vu les problèmes et la crise rencontrés dans ce pays, l’hostilité envers ces jeunes apatrides s’amplifie, exacerbée par la forte montée de l’extrême-droite.

Le titre du film symbolise parfaitement le propos de Panos Koutras. « Xenia » signifie « hospitalité ». Le réalisateur nous explique que cette « hospitalité était un principe et un fondement majeur de la Grèce antique. La xénophobie est un concept relativement moderne. Aujourd’hui non seulement la Grèce a oublié ses devoirs envers les étrangers, mais elle berne et abuse son peuple.»

Panos Koutras a fait le choix de mêler acteurs non-professionnels et acteurs professionnels. Pour les deux jeunes héros il a cherché durant plus d’une année de casting deux albanais qui pouvaient à ses yeux incarner au mieux leur communauté, avec tous les outrages et les offenses qu’elle rencontre régulièrement. Lorsque le cinéaste dépeint des personnages dont les tourments lui paraissent une réelle injustice, il lui semble plus vraisemblable et légitime d’engager des individus qui subissent le même préjudice : « Je ne fais pas un film à sujet, ni un film militant, mais pour moi le casting est un véritable choix politique. » Durant une période de sept mois précédant le tournage, Kostas Nikouli et Nikos Gelia, qui interprètent les deux frères, ont répété au rythme de quatre fois par semaine avec Panos Koutras.

Le cinéaste désirait retranscrire cette épopée à travers le regard de Dany et mettre en évidence l’ardeur et la vitalité que dégage cette jeunesse en soif de reconnaissance. Dany est un garçon de seize ans qui a jusqu’à maintenant vécu avec sa mère dont il a dû s’occuper. Il est gay, s’habille de manière excentrique, la profusion de couleurs et la teinture de ses cheveux révélant un personnage insolite, mais aussi infantile. Les sucreries sont son péché mignon et son petit lapin blanc un animal fétiche qui lui permet de se réfugier dans l’enfance et vers un étonnant monde onirique. C’est aussi un intense désir de liberté qui se manifeste au fil de cette ineffable recherche du bonheur, au gré d’interludes chantés et enchantés, mais dans un monde où la férocité est parfois sans ménagement. Le cinéaste recrée l’atmosphère nocive présente dans cette Grèce qu’il aime profondément, à l’instar de ces expéditions punitives envers les groupes marginaux, les sans domicile fixe, les homosexuels, les albanais, les ukrainiens,… Ces querelles, déroutantes et belliqueuses, représentent une réalité dans laquelle les deux jeunes héros doivent se débattre. Mais ils le font à leur manière, avec toute l’originalité qui les habite. Le culot et la désinvolture de Dany créent une apologie de l’adolescence où tout est encore possible. Une atmosphère poétique accompagne ce personnage à la fois loufoque et conquérant, qui doit mûrir et devenir adulte.

A ses côtés, Ody, plus raisonnable et tranquille, hétérosexuel, doué pour la chanson (Dany en est persuadé), et a priori assez éloigné de son frère, va s’en rapprocher petit à petit. Les liens s’instaurent au rythme de ces moments partagés, qu’ils soient cruels ou gais. Et la présence de la mère, incarnée par les apparitions d’une ancienne icône de la chanson italienne, Patty Pravo, suit ce parcours insolite et régénérateur.

Panos Koutras a voulu réaliser cette histoire selon la vision de Dany. Il a en conséquence opté pour une gamme chromatique et une luminosité qui incarnent la perception même de son jeune héros, illustrant ainsi ses sensations et son regard d’adolescent.

Et cela sans jamais occulter l’âpreté de la société grecque actuelle : « Depuis toujours, le monde dévore ses enfants, les plus faibles sont écrasés, les groupes minoritaires écartés. Cela s’est amplifié ces dernières années. Les immigrés sont les nouvelles victimes du monde contemporain. Nous devrions être à leurs côtés, les aider, les écouter.(…) Je plaide en faveur du droit du sol de tout mon cœur. » Ces paroles de Panos Koutras sont au cœur de ce film hétéroclite et déjanté, panaché d’éléments bigarrés empreints de folie, de musique, de téléréalité, d’extravagance, de haine, d’intolérance, de combativité… et de la fraîcheur et la grâce de la jeunesse.

Date de sortie : 18 juin 2014 - Réalisé par : Panos H. Koutras - Avec : Kostas Nikouli, Nikos Gelia, Aggelos Papadimitriou - Durée : 2h3min - Pays de production : France Grèce - Année de production : 2014 - Distributeur : Pyramide Films

La collision intellectuelle et culturelle entre ces deux corps qui s’attirent pourra-t-elle les mener vers une interaction de l’ordre du possible ? Un amour durable est-il envisageable ?

Lucas Belvaux a exercé un changement formel du livre. Philippe Vilain y utilisait la première personne, représentant le point de vue du personnage masculin. Jennifer était donc toujours perçue par son regard à lui, ce qui provoquait un sentiment de manque vis à vis de ses propres sensations. L’unicité de la perception de Clément pouvait être à la base d’un discernement erroné. Dans son adaptation, Lucas Belvaux a donc eu : « envie de les mettre à égalité et donc de prendre une distance. Parler autant d’elle que de lui avec mon regard à moi plutôt que son regard à lui (…) surtout de faire un rapport d’égalité entre les deux. »

C’est ainsi que nous entrons dans la vie de ces deux personnages, qui vont tenter de se découvrir et d’accepter ou non le monde dans lequel évolue l’autre. La rencontre de ces êtres aux antipodes va-t-elle aller à l’encontre du déterminisme sociologique dont nous avons déjà en tête les clichés ?

Clément Leguern (Loïc Corbery), professeur de philosophie et auteur d’un livre où il théorise sur l’amour, doit quitter Paris et son milieu bourgeois pour Arras où il est muté. C’est pour lui un véritable cauchemar. Clément a du charme, de la prestance. Nous apprenons rapidement qu’il a des liaisons de courte durée, par crainte de s’engager. Il vit intensément ces histoires puis part. Et dissèque avec érudition ses émotions, ses intuitions, ses sensations. Tout est littérature et philosophie. Kant est d’ailleurs son principal partenaire de vie, la lecture et l’écriture ses passions. Une certaine distanciation réside dans ce comportement où la raison est plus forte que l’émotion. Comme dirait Lucas Belvaux, c’est un « handicapé sentimental ».

Jennifer (Emilie Dequenne), elle, est coiffeuse dans un petit salon d’Arras. C’est une femme coquette, attirante et gaie ; sa sincérité est touchante. Elle aime les couleurs flashies, chanter dans les karaokés avec ses deux meilleures amies, lire (surtout Anna Gavalda), admire Jennifer Aniston (Clément n’en a jamais entendu parler), adore la série « Friends ». Elle est mère célibataire et vit joyeusement avec son petit garçon Dylan. Ce qui lui manque, c’est l’homme de sa vie. Elle désire avant tout rencontrer et aimer celui avec lequel elle partagera son existence.

La première rencontre, éphémère, a lieu dans le salon de coiffure. Puis s’ensuit la découverte de l’autre. Avec attention et délicatesse, le cinéaste s’attache minutieusement à chaque moment que Clément et Jennifer partagent. Nous apprenons à les connaître et tombons très vite sous leur charme. Seulement un doute subsiste quant à la pérennité de cette belle aventure amoureuse. Le trouble est sous-jacent, et c’est Clément qui en est à l’origine. Sans le vouloir.

Chacun d’eux fait un pas vers l’autre. Jennifer se révèle sans faux semblants : elle est une belle personne, d’une intelligence généreuse. Clément lui lit des passages de romans de Zola, de Giono, lui prête « L’idiot » de Dostoïevski, lui offre un livre de Kant dont les pensées lui rappelle Jennifer. Elle, elle l’emmène voir Jennifer Aniston au cinéma, elle le présente à ses amies, tente de lui faire partager les joies du karaoké…

Jennifer est aérienne, harmonieuse. Elle est la joie de vivre. Parce qu’elle l’a décidé, parce que le bonheur est à portée de main et qu’elle désire le vivre, intensément. Elle est à l’affut de ce que Clément veut bien laisser percevoir, et surtout de ce qu’il tait, de ce qu’il n’exprime pas. Son « chaton » la présentera-t-il un jour à ses proches, ou même à ses collègues ? Interrogation bien maléfique que celle-ci.

Mais il ne faut rien sacraliser des poncifs. Même si les clichés sont présents, l’important est de les détourner, subtilement. En cela Lucas Belvaux est fort judicieux dans sa manière de complexifier la nature des sentiments et des liens qui unissent ces êtres attendrissants. Emerge alors une violence inhérente au contexte social et culturel propre à chaque personnage. Mais malgré eux, sans perversité. Clément fait du mal à Jennifer sans s’en rendre compte, sans comprendre l’impact de son attitude si naturelle. Jennifer, elle, donne. Beaucoup. Passionnément. Même si elle n’est pas dupe. L’optimisme et la vie sont plus forts que tout.

Le cinéaste nous émeut à travers cette histoire d’amour poignante. Loïc Corbery et Emilie Dequenne subliment leurs personnages. Les personnalités de chacun d’eux servent magnifiquement leur jeu. Loïc Corbery, qui joue cette année deux pièces du répertoire à la Comédie Française, dont « Le misanthrope » de Molière, a été choisi par Lucas Belvaux pour sa prestance et le romantisme qu’il dégage. Et bien évidemment pour sa verve. Ses dialogues sont très écrits et il était nécessaire de trouver un comédien qui pouvait lire à l’écran sans langueur ni lassitude pour le spectateur. Que ce soit un plaisir. Emilie Dequenne, qui fut si admirable dans « A perdre la raison » de Joachim Lafosse, est époustouflante de vitalité, elle rayonne. Et chante merveilleusement.

Quant à la mise en scène de Lucas Belvaux, elle est toujours aussi réfléchie : « On ne met pas la caméra n’importe où, on la met pour raconter quelque chose de précis ». Chaque plan est pensé, tant au niveau du cadre, que de la gamme chromatique ou de la bande son. Au sujet de la réalisation de ce film, le cinéaste nous confie : « Il fallait ne pas avoir peur des champs-contrechamps. Je voulais rester proche d’eux, bouger avec eux, être en intimité avec eux. Je voulais donner de l’espace aux comédiens, les laisser jouer. Le champ-contrechamp permet ça, on enregistre de longues scènes en une seule prise, que l’on monte après, mais où l’acteur a pu jouer 3 ou 4 minutes sans être interrompu. Pendant ces minutes là le temps appartient à l’acteur. Et l’espace aussi, l’espace à l’intérieur du cadre. »

L’amour des comédiens et la passion de la mise en scène ont servi ce film avec virtuosité. « Pas son genre » est avant tout une histoire d’amour émouvante, bouleversée par les clivages sociaux-culturels de notre société. Sous le regard attendri et ému de son réalisateur.

Date de sortie : 30 avril 2014 ; Réalisé par : Lucas Belvaux ; Avec : Emilie Dequenne, Loïc Corbery, Sandra Nkake ; Durée : 1h51min ; Pays de production : France ; Année de production : 2013 ; Distributeur : Diaphana

Nous sommes dans une petite ville de Belgique. Le téléphone sonne chez Sandra (Marion Cotillard). Elle apprend par Juliette, sa collègue et amie, qu’un vote a été organisé par le patron de la petite entreprise dans laquelle elle est employée. Ses seize collègues ont dû choisir entre toucher leur prime de 1000 euros ou refuser cette somme afin que Sandra puisse garder son travail. Quatorze d’entre eux ont choisi la prime. Seuls Robert et Juliette se sont rangés au côté de cette femme fragile mariée à Manu (Fabrizio Rongione) et mère de deux enfants. Sandra sort à peine d’une grave dépression et durant son absence ses seize collègues ont assuré son travail en faisant quelques heures supplémentaires. La crise est présente. La réduction des effectifs aussi. Sandra et Manu ont besoin de leurs deux salaires pour vivre. Les autres salariés comptent bien toucher leur prime pour eux aussi boucler leurs fins de mois difficiles.

Personne n’est épargné. Et c’est justement là le dilemme. Deux jours, une nuit… voilà le temps qu’il reste à Sandra pour convaincre au moins la moitié de ses collègues de voter en sa faveur lundi matin. Le contremaître ayant influencé insidieusement les votants, le patron a autorisé un nouveau vote après le week-end. Sandra, poussée par son mari et Juliette, va se faire violence et tenter de trouver le courage de se rendre au domicile de chaque employé pour les convaincre de la soutenir et de renoncer à l’argent.

Luc et Jean-Pierre Dardenne rendent compte d’une vérité sociale dramatique, qui envahit communément le quotidien de moult personnes se débattant au sein d’une contemporanéité sociale pour le moins effrayante. Parce que c’est bien d’une réflexion sur la lutte, le rendement, la solidarité, l’exclusion, dont nous parlent les cinéastes. Le marasme économique et social est indéniablement à l’origine de la déraison de la collectivité. Et c’est son inconséquence qui brise le tissu social et instaure une violence presque muette, qui s’immisce en sourdine dans les foyers à travers la culpabilité, le ressentiment, les contraintes financières, la concurrence avilissante…

« Reste que l’absence de réaction collective est révélatrice de l’univers social d’aujourd’hui », nous dit Luc Dardenne. En est-il pour autant défaitiste ? Nous aurions tendance à penser que les frères Dardenne sont plutôt alarmistes et que leur riposte n’est autre que la lutte. Et c’est Sandra qui va se jeter dans la bataille. Avec la peur au ventre, l’angoisse du rejet et les stigmates des peines enfouies. Mais elle va se battre.

Les auteurs expliquent que « le film raconte l’histoire d’un corps qui se met en mouvement ». Ils désiraient « raconter à travers ces mouvements des corps les mouvements intérieurs » de leurs personnages. Les premières images du film traduisent précisément ces intentions. Nous découvrons Sandra endormie sur son lit en pleine après-midi. A partir du moment où elle va se lever et affronter la terrible nouvelle de son exclusion (qu’elle apprend par téléphone), elle va commencer un cheminement qui, même si à plusieurs moments nous craignons sa capitulation, sera salutaire.

C’est Marion Cotillard qui prête son corps à Sandra, avec une acuité et une délicatesse pour le moins remarquables. La fragilité de cette femme est transcendée par l’interprétation toute en finesse de la comédienne. Chaque posture, contenance, démarche, expression, préfigurent les sentiments profonds ressentis par Sandra. Et son éveil vers une dignité et un cran dont elle n’avait jamais osé présager.

La mise en mouvement du corps s’est amorcée. Une lueur s’esquisse. Mais pas seulement pour elle. Durant ces deux journées éprouvantes, Sandra va rencontrer la plupart de ses collègues. Ces entrevues sont douloureuses, répétitives, avec le même discours, les mêmes mots, les mêmes postures corporelles de Sandra. Avec aussi des répliques itératives chez les salariés qu’elle rencontre, comme « Mets toi à ma place » (souvent dite par les deux protagonistes) et « Et les autres qu’est-ce qu’ils disent ? » Les frères Dardenne commentent : « il fallait que la répétition devienne notre force dramatique ». Chaque confrontation est différente et témoigne de la singularité de chaque cas. Toute réaction humaine est distinctive et se rapporte à un individu unique. C’est un suspense terrible que nous redoutons systématiquement mais que nous affrontons au côté de cette femme courageuse.

A aucun moment Sandra ne blâme ses collègues. Luc Dardenne nous livre son approche : « Ce n’est pas le combat d’une pauvre fille contre des salauds. Chaque face à face est bien plus complexe. Sandra comprend ses interlocuteurs et parfois elle n’est pas loin de penser qu’ils ont eu raison d’accepter la prime. » Ce à quoi Jean-Pierre Dardenne renchérit : « Les ouvriers de « Deux jours, une nuit » sont placés en situation permanente de concurrence et de rivalité. Il n’y a pas d’un côté les bons et de l’autre les méchants. »

Cette situation dramatique, que le contremaître a enflammé, est un bouleversement intense que ces individus ressentent viscéralement. C’est en cela que l’humanité de chacun est affectée, au sein de parcours où la subsistance tient à un fil, où la menace économique rôde. Mais la solidarité n’est-elle pas un remède ? Le collectif n’est-il pas plus riche que l’individualité ? Sandra, sans les autres, ne se serait sûrement pas relevée de cette nouvelle. Juliette et Robert la soutiennent et agissent en conséquence. Quant à Manu, son mari, il est sa béquille : il ne veut plus qu’elle flanche. Elle doit réapprendre à rester droite, et digne. Les différentes entrevues sont des paliers essentiels à sa propre progression personnelle. Chacune d’entre elles est unique. Chaque conscience est affectée. Toute une palette d’émotions transparaît au travers des frémissements des corps, des regards, des voix. La culpabilité ronge les âmes et la pression est à son comble.

Tels les témoins des rapports de force incombant aux salariés dans le monde du travail contemporain, les frères Dardenne exposent une histoire où le malaise et les tensions habitent des personnages qui se débattent pour tout simplement avoir une vie normale, décente. De surcroît ils s’interrogent sur les notions de collectivité et de solidarité. Mais au terme de cette démarche c’est la volonté et le courage qui redonnent toute sa dignité à l’héroïne. Tout bien considéré la véritable richesse de cette bataille est l’élan de Sandra vers la vie, vers une fierté retrouvée.

Date de sortie : 21 mai 2014 - Réalisé par : Jean-Pierre Dardenne - Luc Dardenne - Avec : Marion Cotillard, Fabrizio Rongione, Pili Groyne - Durée : 1h35min - Pays de production : France - Année de production : 2014 - Distributeur : Diaphana

Durant plusieurs années le scénario fut délaissé à deux reprises, avant d’être définitivement achevé. C’est la découverte du personnage de Manu qui fit progresser l’écriture. L’exclusion de Sandra la menait à la dérive mais la solidarité de son mari, puis celle de certains de ses collègues, permettaient l’avancée de l’héroïne.

Quant à la rencontre avec Marion Cotillard, elle se fit en Belgique lors du tournage de « De rouille et d’os » de Jacques Audiard que les frères Dardenne coproduisaient. Cette rencontre fortuite séduisit indéniablement les cinéastes. La comédienne qui admirait leur travail n’hésita pas.

Il y eut plus d’un mois de répétitions avant de débuter le tournage qui dura 11 semaines. Les frères Dardenne ont toujours besoin de ce travail en amont car leur manière de tourner est très particulière, comme ils le racontent eux-mêmes : « (…) nous tournons en plans séquences, certains très longs, de 4 minutes, et qui nécessitent parfois de multiplier les prises, jusqu’à 80. Une scène peut parfois nécessiter deux jours pleins de travail avant de trouver l’énergie juste, la pulsation nécessaire. » Et, comme il est d’usage chez eux, le film fut tourné dans la chronologie du récit. Dans leur vision il était fondamental que les comédiens ressentent, autant dans leur corps que psychologiquement, l’évolution de ce périple et le cheminement de chacun. Tout doit être égalitaire sur leur plateau : la manière d’aborder et de filmer chaque comédien mais aussi les conditions ordinaires de vie (cantine,…).

La rigueur est de mise pour servir un cinéma concis où chaque élément de mise en scène concourt vers cette justesse et cette précision qui attestent leur signature. Par exemple les couleurs des vêtements de Sandra sont vives car elle est un personnage qui vient de vivre une grave dépression et qui ne veut pas replonger. Son choix de porter des couleurs gaies reflète un désir d’améliorer sa situation et encore une fois d’avancer.

Et comme à l’accoutumée les cinéastes ont utilisé ce qu’ils nomment la musique « in », en ce sens que les seuls morceaux que le spectateur puisse entendre sont les mélodies écoutées à la radio par les personnages. Rajouter une musique lors du montage final ne leur semble pas opportun. Le rythme du film n’est pour eux nullement amputé tel qu’il transparaît à l’image et le suspense reste présent. Ils ne désirent pas « dramatiser d’avantage » les émotions des personnages. Pour ressentir les pensées de Sandra, le silence est à leur avis nécessaire.

Cette concision et cette dynamique bien singulière créent une puissance humaniste qui leur est chère. Et qui suscite une admiration de leurs pairs comme des spectateurs. Nous ne nous en lassons pas.

Date de sortie : 21 mai 2014 - Réalisé par : Jean-Pierre Dardenne - Luc Dardenne - Avec : Marion Cotillard, Fabrizio Rongione, Pili Groyne - Durée : 1h35min - Pays de production : France - Année de production : 2014 - Distributeur : Diaphana

Le scénario du film a été écrit par Gary Hawkins qui fut le professeur de cinéma de David Gordon Green à la North Carolina School of the Arts. Il réalisa d’ailleurs quelques années auparavant un documentaire sur la carrière de Larry Brown (The Rough South of Larry Brown) où D. Gordon Green et Jeff Nichols (réalisateur de « Mud ») étaient assistants producteurs.

La riche amitié qu’entretiennent ces réalisateurs influe sur leur travail. D. Gordon Green a produit le premier long métrage de Jeff Nichols (« Shotgun stories »). Ils sont tous deux nés en Arkansas, ont été à la même école de cinéma, et vivent actuellement au Texas, à Austin. Terrence Malick y est aussi installé. Il a toujours beaucoup inspiré le réalisateur de « Joe » et est devenu un ami précieux. Il a même déjà été le producteur de D. Gordon Green.

Ces trois réalisateurs ont d’ailleurs fait grandir cinématographiquement le jeune Tye Sheridan qui a tourné dans « The tree of life » (de Terrence Malick), « Mud » (de Jeff Nichols) et évidemment « Joe ». C’est J. Nichols qui a suggéré à D. Gordon Green de le prendre, et T. Malick qui l’avait présenté à J. Nichols. Le cinéaste est très heureux de ce choix et admire, outre le travail et l’énergie de l’adolescent, sa magnifique voix qu’il trouve originale.

Voici donc une belle communauté de cinéastes, installée à Austin, et dont Richard Linklater (« Before sunrise » « Before sunset »….) fait aussi partie. L’entraide, l’échange et la confiance sont au cœur de cette union autant amicale qu’artistique.

Le film s’ouvre sur une « discussion » entre Gary (Tye Sheridan) et son père le long d’une voie ferrée. Le jeune homme n’a que quinze ans mais tente de raisonner cet homme pour qu’il se prenne enfin en main. Le père l’écoute sans dire mot. Sa seule réponse sera de tabasser son fils. Puis il s’éloignera et recevra lui-même une correction de deux hommes venus lui régler son compte. L’entrée en matière de cette relation père-fils est tragique.

D. Gordon Green nous présente ensuite Joe Ransom (Nicolas Cage), un homme physiquement imposant qui dirige une petite entreprise d’abattage chargée d’empoisonner les arbres défectueux de la forêt avant de les extraire. Il est loyal avec ses employés et ne désire qu’une chose : que le travail soit bien fait. Mais lorsque Joe rentre dans sa maison, protégée par un pitbull terrifiant, il s’adonne à la boisson et vit isolé, sans véritables attaches. Ses seules sorties sont celles d’un bordel et d’une épicerie paumée où il se ravitaille régulièrement. Joe est un individu indomptable qui a déjà fait de la prison et qui a un sérieux problème avec l’autorité. Qu’un policier l’arrête pour lui demander ses papiers est viscéralement intolérable pour cet être insoumis, colérique et passablement volcanique lorsqu’il est contrarié.

C’est une belle rencontre entre Gary et Joe que le cinéaste va nous narrer. Le jeune homme, qui erre dans la forêt, va tomber sur ces drôles de types qui injectent un poison aux arbres. Il décide alors de demander du travail et Joe accepte de l’engager. L’adolescent est très motivé et Joe s’attache très vite à lui, à sa manière. Gary vit dans un environnement familial en marge de la société, avec une mère paumée, une sœur fragile et muette, et un père (Gary Poulter) alcoolique et abominablement subversif. Il vit dans des conditions de violence inouïes et découvre en Joe une personne qui le respecte, qui est prête à le soutenir. Quant à Joe il s’aperçoit très vite de l’ignominie de cette figure paternelle, au pouvoir dévastateur envers son propre enfant. Il soutient Gary pour qu’il puisse s’extirper de ce cadre nuisible, pour qu’enfin il puisse avoir un avenir décent. Parce que ce jeune homme peut encore s’en sortir malgré le misérabilisme qui règne autour de lui.

Ce film est névralgique et sombre, bien éloigné des comédies réalisées par D Gordon Green ces dernières années. Il illustre le retour du cinéaste vers une production plus indépendante, en marge des gros budgets : « Un film comme celui-là avec autant d’acteurs professionnels et non professionnels réclame un petit budget. Pour le protéger surtout, et avoir les coudées franches. » Le cinéaste aime « revenir de temps en temps à un cinéma plus exigeant, moins accessible, comme avec « Joe » qui traite de sujets plus sensibles. Des films comme celui-là se font avec une équipe réduite et vos tripes. » Cette volonté confère à « Joe » une plongée en eaux troubles envoûtante, animale, où l’âme humaine se débat sans relâche pour sa survie.

Le choix du comédien qui interpréta le père de Gary, est une histoire pour le moins cocasse. Gary Poulter était un sans-logis qui vivotait en faisant du breakdance. C’est le directeur de casting du film qui le croisa à un arrêt de bus et qui lui fit passer des essais. Cet homme au faciès saisissant, à qui il manque une partie de l’oreille, est troublant, effrayant dans ce rôle. Il amène à son personnage une expérience de vie que l’on n’ose imaginer. En guise de repères, le père est à l’opposé de tout entendement. Seul son éloignement définitif pourrait être bénéfique et amorcer un début d’avenir pour Gary et sa sœur.

D. Gordon Green traduit les sentiments et les douleurs de ses personnages avec lyrisme. Il prend son temps, scrute sans concession ces êtres meurtris et marginaux au sein d’un paysage rural aussi sauvage que ses habitants. Il nous expose à la violence, à la bestialité de ces égarés. Avec malgré tout une tentative de s’extirper de cette noirceur, du goût âcre de la décadence.

La rédemption de Joe et la reconstruction de Gary seraient les petites étincelles menant enfin à l’espérance, si c’est encore possible…

Drame interdit au -12 ans ; Date de sortie : 30 avril 2014 ; Réalisé par : David Gordon Green ; Avec : Nicolas Cage , Tye Sheridan , Gary Poulter ... ; Durée : 1h57min ; Pays de production : Etats-Unis, 2013 ; Distributeur : Wild Side / Le Pacte

Il en est de même avec les bruits et les couleurs. D’où l’utilisation d’un sublime noir et blanc qui révèle les ambiances de ses souvenirs d’enfance, sans la vivacité d’une gamme chromatique hautement colorée.

C’est aussi pour ces raisons que la caméra bouge peu. Il fait de nombreuses prises avec une caméra fixe, invitant à la méditation.

Ses plans larges (il y a peu de gros plans) créent un espace où ses personnages sont sciemment placés en périphérie. Ce décadrage confère aux protagonistes un air désemparé , avec cette sensation d’être échoué sous un ciel de plomb. Les repères de ces êtres isolés en sont endommagés, provoquant ainsi une certaine confusion.

La photographie de Lukasz Zal renforce cette tension. Ce jeune cadreur, nommé chef opérateur en début de tournage (métier qu’il n’avait encore jamais exercé), se vit confier la lumière du film par le metteur en scène, qui prit lui-même le soin de s’occuper du cadrage. La texture photographique est d’une pureté telle que l’émotion affleure dans cette symbiose entre diégèse et esthétique.

Pawel Pawlikowski, nous n’en serons pas surpris, est admiratif des films de Bresson, Dreyer ou encore Tarkovski. Le cinéaste a la même exigence que ces artistes et c’est aussi pour cela que la vision cinématographique qu’il a transposée sur « Ida » est admirable.

La rencontre de ses deux figures féminines n’en est que plus belle. Cette œuvre possède une âme qui nous envoûte avec grâce et délicatesse.

Date de sortie : 12 février 2014 - Réalisé par : Pawel Pawlikowski - Avec : Agata KULESZA, Agata Trzebuchowska, Dawid Ogrodnik - Durée : 1h19min - Pays de production : Pologne - Année de production : 2013 - Titre original : Ida - Distributeur : Memento Distribution

• Le « cancer gay » : voilà la rumeur qui circule dans les années 80. En 1985 le Sida fait des ravages et la communauté homosexuelle se sent bafouée. L’angoisse et l’ignorance de cette maladie qui tue, ainsi que l’absence de remèdes efficaces, font monter la peur et provoquent souvent une haine et un rejet qui ont détruit de nombreuses personnes malades et isolées. De surcroit, Ron Woodroof vit à Dallas, au Texas, un état très sectaire où l’homophobie est exacerbée. Cet homme est loin d’être quelqu’un de bien, il est même plutôt haïssable. Sa vive hostilité envers les homosexuels est odieuse. Ce sont les évènements qui vont le faire évoluer, non sans difficultés.

  Matthew Mc Conaughey, qui a perdu près de 20 kg pour jouer ce rôle, n’est pas dans le pathos. Il arrive, au fur et à mesure de son combat, à faire apparaître une bienveillance et une humanité chez cet être antipathique, et cela de manière implicite, sans complaisance. La tolérance est au centre de cette histoire. Être indulgent envers les différences et les divergences de chacun : voilà ce que Ron, après avoir lui-même été rejeté, va apprendre à respecter. Il finira par créer un véritable lien avec le très touchant Rayon, figure aux fêlures bouleversantes mais d’un tempérament incroyable. L’étonnante relation de ces deux énergumènes, à jamais dissemblables, est d’une richesse déconcertante.

  Jean-Marc Vallée a reconstruit le script avec les scénaristes Craig Borten et Melisa Wallack. Il a d’abord pu écouter l’entretien que CraigBorten avait eu avec Ron Woodroof peu de temps avant sa mort. Ces 25 heures de dialogues ont permis au réalisateur d’appréhender au mieux le vécu de cet homme. Ainsi il a pu créer une harmonie entre la réalité de son combat et les personnages de fiction qui gravitent autour de lui.

   

  Date de sortie : 29 janvier 2014 - Réalisé par : Jean-Marc Vallée - Avec : Matthew McConaughey, Jennifer Garner, Jared Leto - Pays de production : Etats-Unis - Année de production : 2013 - Titre original : The Dallas Buyers Club - Distributeur : UGC Distribution

A l’origine le script était plus politisé. Des évènements qui se passaient au sein du gouvernement et des institutions ont été enlevés, et de nombreux personnages ont disparu.

Le réalisateur s’est focalisé sur le point de vue de Ron, en retraçant son périple à travers ses propres émotions, son propre ressenti. En sus les regards de Rayon et de la jeune médecin (Jennifer Garner) sont évoqués.

Jean-Marc Vallée a décidé d’utiliser peu de gros plans afin de privilégier l’énergie de cet étonnant duo que forment Ron et Rayon. Les comédiens, exceptionnels, vivent leurs personnages avec une telle intensité qu’ils transcendent magnifiquement l’écran. Le metteur en scène avoue leur avoir accordé une grande liberté de jeu, filmée avec la caméra à l’épaule.

Faute de capitaux conséquents, il n’y a pas eu d’équipe électrique, donc pas de lumière artificielle. Le chef opérateur et le chef décorateur ont véritablement travaillé ensemble pour créer cette lumière naturelle. Lorsque la lumière manquait, ils s’arrangeaient pour rajouter des éléments de décor, comme des bougies, pour palier au problème.

Malgré les difficultés Jean-Marc Vallée a su retranscrire l’histoire de cet antihéros qui, grâce ou à cause de la maladie, a révélé une humanité qui l’a mené vers la tolérance. Il devint, sans le vouloir, le représentant d’une communauté homosexuelle qu’il avait exécré dans son passé. Et fut épouvanté par la scandaleuse puissance des lobbies pharmaceutiques. 

D’autres Buyers Clubs naitront à travers les Etats-Unis. Quant à Ron Woodroof il décédera du Sida en 1992 à l’âge de 42 ans.

Date de sortie : 29 janvier 2014 - Réalisé par : Jean-Marc Vallée - Avec : Matthew McConaughey, Jennifer Garner, Jared Leto - Pays de production : Etats-Unis - Année de production : 2013 - Titre original : The Dallas Buyers Club - Distributeur : UGC Distribution.

Lorsque Brad Pitt entra en relation avec lui, après « Hunger », Steve Mc Queen lui confia vouloir faire un film sur l’esclavage. Leur collaboration naquit et l’acteur devint le coproducteur de « Twelve years a slave ». Le cinéaste s’est basé sur l’adaptation des mémoires d’un noir américain, Salomon Northup, né en homme libre dans l’état de New York, et kidnappé à Washington pour être emporté et vendu à la Nouvelle Orléans. Cet homme, esclave en Louisiane durant douze années, fut retrouvé et arraché des mains de son tortionnaire en 1853. Il redevint un homme libre et écrivit aussitôt son histoire. 

Le début du film s’ouvre en 1841 et nous présente Salomon en homme confortablement installé à New York, entouré de sa femme et de ses deux enfants. Il s’habille élégamment, est apprécié par son entourage, et joue magnifiquement du violon. C’est ainsi qu’il est repéré par deux hommes qui se disent artistes et qui cherchent à engager un talent pour quelques représentations à Washington. Salomon est confiant et ravi. Mais ces hommes le droguent, le séquestrent et le livrent à une organisation qui l’emporte par bateau, avec d’autres prisonniers, dans un état du sud esclavagiste. Là il est privé de son identité et n’a plus le droit de prononcer son véritable nom : il doit désormais s’appeler Pratt. Il devient une marchandise, un produit qui va être exposé, comme de nombreux hommes, femmes et enfants, à des propriétaires terriens qui font leur marché. Cet état de fait peu connu, de ces mercenaires qui enlevaient des citoyens libres noirs américains pour les livrer aux Etats du sud afin de les monnayer, était bien réel avant que la guerre de Sécession n’ait lieu. Les propriétaires terriens qui participaient à cette ignominie pratiquaient un esclavage à fondement purement racial, qui s’était institutionnalisé progressivement et était devenu un point névralgique et affreusement abject de l’organisation sociale et économique des Etats–Unis du sud.

Steve Mc Queen a décidé d’exposer dans toute sa véracité la réalité de ce que représentait le quotidien des esclaves. Et c’est de leur point de vue qu’il le raconte, sans aucune concession, ni demi-mesure. Il ne se dérobe pas devant l’insoutenable. C’est nous qui détournons les yeux de l’écran face au supplice de Salomon, face au calvaire de Patsey, aimée odieusement et sauvagement par son maître, face à la monstrueuse séparation d’Eliza d’avec ses enfants. Le cinéaste montre des corps, bringuebalés au gré de leurs maîtres dans les plantations, les échangeant selon leurs problèmes d’opulence et leurs déboires. Ces corps ne sont plus que des propriétés ; ils sont bafoués et privés de leur humanité. Michael Fassbender joue un de ces propriétaires, du nom d’Edwin Epps, avec une perversité et une ambivalence redoutables. Le comédien, dont Steve Mc Queen ne se sépare plus puisqu’il était déjà dans « Hunger » et « Shame », interprète magistralement cette figure du mal personnifié, qui justifie sa maltraitance par une interprétation de la Bible très personnelle. La haine de ces êtres dits civilisés anéantit inlassablement Salomon.

Le temps est comme en suspend, sclérosé par une interminable descente aux enfers, elle-même orchestrée par une mise en scène qui ne nous épargne rien. Steve Mc Queen utilise à plusieurs reprises de longs plans fixes dont la durée s’étend jusqu’à ce que l’émotion soit à son apogée, dans le tourment et l’effroi. L’un des plus impressionnant quant à son agencement est celui de Salomon, pendu à une corde mais dont la pointe des pieds arrive à toucher terre, qui oscille entre la vie et la mort, à l’extrême limite de l’étranglement. Cette torture physique est accompagnée d’une violence psychologique inouïe : en arrière-plan nous apercevons les autres esclaves aller et venir, sans la moindre réaction ni même un regard vers Salomon. Nous voyons aussi les enfants jouer, tout naturellement, à quelques mètres de lui. Leurs rires tranchent effroyablement avec les bruits d’étouffement, les insoutenables raclements de gorge. En un plan unique, l’inimaginable se produit. L’indifférence des autres esclaves n’est gérée que par la terreur : pour survivre, la froideur et l’inexpressivité sont une contrainte cruciale. Les sentiments sont prohibés. Dans quel espoir ? « Subir des situations inhumaines, endurer la souffrance, mais vivre. Tenir bon, pour l’amour de leurs enfants », nous répond Steve Mc Queen. La dignité du cœur permet de ne pas se départir d’une condition humaine bafouée.

« Twelve years a slave » a essentiellement été tourné dans des décors naturels, en Louisiane, non loin de l’endroit où Salomon Northup a réellement été détenu en tant qu’esclave. La beauté du site illumine les images qui tranchent considérablement avec l’effroyable contexte du film. Lorsque le cinéaste parle des paysages de la Louisiane, il est subjugué : « c’est si beau, les arbres semblent sortis d’un conte de fées ». Sean Bobbitt, le directeur photo de Steve Mc Queen depuis maintenant plus d’une dizaine d’années, a magnifié les décors grâce à un subtil travail sur la lumière, afin de créer une esthétique visuelle aux nuances très élaborées. La palette chromatique est splendide et entretient une tragique dichotomie avec le propos narratif. Le réalisateur dit s’être inspiré du peintre espagnol Francisco de Goya. Il admire ses peintures autant pour l’art de représenter des scènes âpres, dont la pénibilité dépasse l’entendement, que pour l’émotion et la fascination ressenties devant la beauté qui en émane. De son point de vue, la vérité historique n’a pas à se démunir d’une esthétisation artistique puissante. Les costumes eux-mêmes ont été confectionnés en fonction d’un ensemble de tons qui rappellent les couleurs de la terre.

Tous ces paramètres procurent à « Twelve years a slave » une belle maîtrise artistique pour un film bouleversant dont on ne peut sortir indemne. Le cinéaste voulait rester au plus près de la réalité, pour que la mémoire s’enrichisse et n’oublie jamais. Il nous livre un chapitre de l’histoire jusqu’ici peu abordé. C’est un pénétrant coup de poignard qui éveille et bouscule nos consciences.

Drame réalisé en 2013 par Steve McQueen avec Chiwetel Ejiofor, Benedict Cumberbatch, Michael Fassbender...

Date de sortie : 22 janvier 2014.

Le personnage principal, Ryoata Nonomiya (interprété par la pop star japonaise Masaharu Fukuyama), est un homme accaparé par son métier d’architecte. La réussite est au centre de ses préoccupations et il envisage déjà une scolarité brillante pour Keita, son jeune fils de six ans, qui est un enfant doux et discipliné, mais qui manque de pugnacité aux yeux de son père.

Ryoata, son épouse Midori et leur fils Keita vivent sur les hauteurs de Tokyo, dans un appartement chic, où tout est bien agencé, très ordonné. Aucune confusion ne peut apparemment venir troubler cette vie bien rangée d’une famille modèle.

Ce bonheur va pourtant être chamboulé par l’événement le plus invraisemblable qui soit pour des parents : Keita n’est pas leur fils biologique. Il est l’enfant d’un couple qui vit modestement en banlieue, le papa tenant une quincaillerie jouxtant le logement de cette famille qui a trois enfants. C’est avec enchantement que nous faisons la connaissance de Ryusei Saiki, six ans, et de son univers fantaisiste et accueillant. La rencontre entre les deux familles n’en sera que plus insolite. La maternité va conseiller aux parents d’échanger les enfants, de manière progressive. C’est un choc psychologique terrible.

La question de la filiation est au cœur du récit et bouscule les repères de Ryoata. Car c’est bien de la naissance du sentiment paternel dont parle H. Kore-eda. Il aborde ce sujet du point de vue du père. Etant lui-même papa d’un enfant de cinq ans, et étant très absent en raison de son travail, il s’interroge souvent sur « ce que signifie être père. Est-ce que c’est le lien du sang ? Est-ce que c’est le temps passé ensemble ? » Ce questionnement se manifeste en lui comme une réflexion sur la paternité au sein de la société moderne. En ce sens Ryoata est très proche de H. Kore-eda.

Le cinéaste aime parler de son quotidien, des doutes qui l’assaillent. Sa réflexion sur la famille est un thème récurrent dans sa filmographie. Sans vouloir faire une critique de son héros, dont la complexité et la rigidité affleurent de manière troublante, il le pousse dans ses retranchements pour apprendre à se connaître, à éprouver des sentiments qu’il ne soupçonnait pas.

Kore-eda a cette vertu de savoir attendre, pour voir mûrir calmement les émois et les turbulences des multiples agitations psychiques subies par les deux familles. Sa mise en scène est concise. Elle met méticuleusement en exergue le mode de vie et les coutumes des parents de Keita, ainsi que ceux de Ryusei, sans juger. Avec beaucoup d’humanité et de patience.

La manière d’appréhender l’éducation des enfants d’un point de vue paternel, dans des cadres sociaux opposés et des mentalités contrastées, induit une méditation introspective libératrice. Le rythme du film nous invite à partager cette réflexion.

Nous découvrons d’ailleurs Yudai Saiki comme étant un papa amusant, passant beaucoup de temps avec ses enfants et partageant leurs jeux. Il est très présent, mène une vie pleine de fantaisie, où le plaisir l’emporte sur l’exigence d’une existence prospère aux apparences sociales rigides. La discipline, gageure d’un idéal de réussite, ne peut être une réponse à la nature intrinsèque des sentiments.

Kore-eda reste encore et toujours un cinéaste attaché à l’enfance. Le regard des deux petits garçons, riche d’une expressivité éloquente, retranscrit l’immense incompréhension face à l’attitude de leurs parents. Ils sont les témoins directs des réactions et comportements paternels, alors qu’eux-mêmes n’ont aucun désir d’adhérer à ces changements qui chamboulent leur existence avec une vive souffrance.

Il n’y a pas de cris. Il y a des regards. La joie s’éteint, malgré un désir de bien faire. La violence psychologique est sourde, muette. Et c’est grâce au regard de Keita, par le biais des photos qu’il a prises de son papa en train de dormir, que Ryoata réalisera, avec une émotion sans retenue, que son petit a viscéralement besoin de lui.

Kore-eda scrute les visages et les comportements de ses comédiens avec justesse. L’émotion est à vif devant la violence d’un tel événement .Nous ressentons avec une grande tendresse que le cinéaste aime ses personnages. Il partage leurs doutes avec touchante bienveillance.

Ce cinéaste japonais, avec ce regard plein d’humanité, n’a pas fini de nous émouvoir.

Date de sortie : 25/12/2013 - réalisé par Hirokazu Kore-eda - scénario de Hirokazu Kore-eda - directeur photographie : Mikiya Takimoto -  production : Amuse, Fuji Television Network et GAGA - acteur : Masaharu Fukuyama, Machiko Ono, Lily Franky

Le film se déroule en Cisjordanie et accompagne trois jeunes hommes palestiniens : Omar (Adam Bakri), Tarek et Ajmad. Sans grande espérance dans l’avenir, ils s’exercent au tir dans le but d’abattre un soldat du Tsahal pris au hasard. C’est leur manière d’entrer en résistance contre ce qu’ils considèrent être une ingérence israélienne intolérable qui perturbe douloureusement leur quotidien. Nous découvrons alors ces jeunes gens dans leur vie journalière au sein d’une ville scindée par un immense mur qu’Omar gravit régulièrement pour rejoindre ses amis et la jeune fille dont il est amoureux, Nadia.

Ce mur symbolise à la fois l’humiliation en permanence éprouvée par Omar et son combat quotidien exprimé ici par le passage illégal de cet absurde rempart qui le sépare de ses proches.

Comme ils l’avaient prévu, les trois hommes abattent un militaire israélien. La riposte est immédiate et c’est Omar qui est arrêté, brutalisé, torturé. Rami (Waleed Zuaiter), un agent israélien, le soumet à un effroyable dilemme : la liberté en échange de la dénonciation d’un de ses camarades de lutte. Un autre problème, et de taille, envenime cette situation : l’un des siens est un traître, mais il ne sait pas encore qui l’a dénoncé. Omar choisit alors de sortir.

La manipulation s’infiltre au sein de ce drame où chacun pense utiliser l’autre, manœuvre insidieusement pour parvenir à ses fins. Omar n’est-il qu’un instrument fantoche immiscé dans une guerre silencieuse ? La trame repose sur la suspicion ; la pression psychologique des personnages va crescendo.

Mais Hany Abu-Assad ne nous présente pas ses protagonistes de manière tranchante. La duplicité de la nature humaine y est perceptible. Rami lui-même nous interpelle parfois par sa séduisante ambivalence, son habileté et son apparente douceur. « Omar » est un film où l’équivoque de la nature humaine entretient avec finesse la confusion des personnages, la complexité face à la loyauté, les interrogations sur leurs propres engagements.

La dynamique dramaturgique oscille entre de beaux moments de douceur liés à l’inaltérable amour d’Omar pour Nadia, des poursuites haletantes à travers la cité cisjordanienne, ainsi que de magnifiques plans qui cernent les visages et les expressions de chacun face aux épreuves et aux doutes, leur sensibilité, les frayeurs qui les animent.

Après avoir réalisé un film sans grand intérêt aux Etats-Unis, Hany Abu-Assad revient aux sources en nous présentant ce film intégralement financé par des capitaux palestiniens. Le comédien Waleed Zuaiter, qui joue Rami, est aussi coproducteur du film : il s’est chargé de trouver les fonds nécessaires voués à faire exister « Omar ».

Pour élaborer son scénario, le réalisateur a croisé des personnes qui avaient vécu la terrible expérience de ces arrestations où l’on vous tyrannise jusqu’à ce que vous acceptiez d’être un dénonciateur. L’omnipotence de cette effroyable conjoncture a influé le cinéaste à s’attacher à ces personnages qui souffrent de l’absence de dignité. Comme il le dit lui-même, Hany Abu-Assad participe à un combat pour la liberté en utilisant ce qu’il sait faire le mieux : du cinéma.

Au centre de ce film il y a l’humain, écartelé par le dissentiment israélo-palestinien qui empoisonne les liens unissant les uns aux autres.

Quelles décisions Omar prendra-t-il ? Existe-t-il véritablement une solution à ce piège qui l’encercle avec un tragique machiavélisme ?

Date de sortie 16/10/2013 - Réalisation par Hany Abu-Assad - Scénario de Hany Abu-Assad - Photographie d'Ehab Assal - Acteurs : Adam Bakri, Waleed Zuaiter, Leem Lubany - Production : David Gerson et Zuaiter - Distribution : Pretty Pictures (France), Wild Bunch (Belgique) 

Ce film, nous l’espérons, se révèlera être plus passionnant qu’un simple thriller. L’intrigue de Prisoners se noue et se déploie dans une banlieue de Boston, au nord des Etats-Unis. 
Deux couples d’amis se réunissent pour fêter Thanksgiving. Leurs deux fillettes de six ans, Anna et Joy, vont disparaître sans que la moindre trace ne puisse être décelée. Grâce au témoignage de leurs aînés, le détective Loki (Jake Gyllenhaal) se dirige vers la piste de l’enlèvement et arrête le jeune Alex (Paul Dano), un simple d’esprit dont le camping-car était garé non loin de la maison des deux familles. Sans preuves tangibles, le jeune homme est relâché à la fin de sa garde à vue, ce qui provoque la fureur de Keller Dover (Hugh Jackman), le père d’Anna. Celui-ci est persuadé de sa culpabilité. Croyant à l’incompétence de l’enquêteur, il décide alors d’enlever et séquestrer Alex. Commencent alors des scènes de torture insoutenables pour le faire parler... 
Le film de Denis Villeneuve nous fait ressentir un véritable malaise. Ce qui a avant tout intéressé le metteur en scène c’est l’exploration de « tout le spectre des réactions humaines face à ce genre de situation ». Plus qu’un thriller c’est une véritable tragédie qui se déroule devant nos yeux ébahis. Le trouble ressenti vis à vis des notions de valeurs humaines et morales aiguise notre propre perception du bien et du mal.
D. Villeneuve scrute ses personnages, met en exergue leur vulnérabilité, leur tristesse mais aussi leur noirceur. Il met face à face deux individus qui, malgré le même combat, se heurtent quant à leur manière de concevoir l’enquête. 
Loki est un détective consciencieux qui obéit aux lois de la morale et du devoir. C’est un flic dont on ne sait pas grand chose, sinon qu’il a toujours résolu ses affaires. Il est solitaire, appliqué, réfléchi. Jake Gyllenhaal, qui a aussi tourné le précédent film du réalisateur, joue magnifiquement bien cette étrange froideurapparente que dégage le personnagede Loki. La précision de son jeu rend troublant ce jeune flic qui paraît désespéré par les journées qui s’enchaînent sans résultats probants, mais qui s‘acharne inlassablement dans sa recherche du moindre indice. 
Keller, lui, est un père de famille qui veut protéger les siens. Il va plonger aveuglément dans la violence. Déchiré par autant de souffrance, il s’enfonce dans un abîme de fureur et de folie, la brutalité le menant inévitablement à la bestialité. Denis Villeneuve nous interroge sur la frontière entre l’état de victime et celui de bourreau, entre l’humain et l’animal. Martyr ou tortionnaire ? 
Hugh Jackman fait magistralement basculer son personnage dans l’horreur. Mais le réalisateur n’en a pas pour autant délaissé les autres membres des familles touchées par ce drame. Chacun a un choix à faire. Et la famille Birch n’est pas épargnée: les parents de Joy devront prendre une décision qui remettra en cause leur propre conception morale. 
N’oublions évidemment pas les personnages d’Alex et de sa vieille tante. C’est Paul Dano qui joue le jeune garçon attardé. Sa posture est angoissante, son regard est inquiétant. Les images de la torture qu’il subit sont insoutenables et pour le moins interrogatives. Tous les protagonistes de «Prisoners» sont éreintéset cloîtrés dans une histoire inextricable, labyrinthique. Leurs fêlures se révèlent inlassablement au fil de ce film qui ne vous laissera pas indemne. 

Une esthétique harmonieusement palpable 

Prisoners est le premier film américain du cinéaste canadien Denis Villeneuve. Habitué à des budgets plus humbles, le réalisateur a cette fois ci travaillé à Hollywood. Signalons tout de même que ce film a d’abord eu la désaprobation de sept studios. C’est Alcon Productions qui a saisi l’opportunité de financer ce projet à la tension dramatique tourmentée, ancré dans une ambivalence profonde de la nature humaine. Le scénario, écrit par le jeune Aaron Guzilowski, a tout l’art de disséquer minutieusement le mécanisme dévastateur qui anéantit les parents des deux petites filles. Il est servi par une lumière magnifique, orchestrée avec brio par Roger Deakins. Ce directeur de la photographie est, entre autres, celui d’une majorité des films des Frères Cohen. Vous imaginez comme sa signature visuelle est intensément présente.
R. Deakins a créé une atmosphère bien singulièreoù la nature prend tout son poids. Le ciel est livide, les teintes jouent sur des nuances blanchâtres, grisâtres. C’est une lumière glaçante qui est omniprésente la journée, avec une présence pluvieuse morne et cafardeuse. La nature y est mélancolique. 
La nuit aussi est très spécifique. Quelques lueurs tentent de transpercer une obscurité profonde et funeste.
Cette esthétique entretient l’angoisse et le malaise psychique des personnages, mais aussi notre propre anxiété. Les tons froids et glacials, le parfait épurement du cadre, les mouvements de caméra lents et mesurés, la mise en scène sobre... tout ce champ visuel participe harmonieusement à ce film vertigineusement angoissant.

Katell Quillévéré nous dévoile les liens qui unissent les trois personnages que sont Suzanne (Sara Forestier), sa sœur Maria (Adèle Haenel) et leur papa Nicolas (François Damiens), sur une durée de vingt-cinq années.

Le film débute sur une séquence où Suzanne, enfant, participe à un spectacle auquel assistent son père et sa petite sœur Maria, dont les regards bienveillants illustrent la tendresse et la puissance relationnelle qu’ils entretiennent. La réalisatrice pose dès le départ tout son principe narratif : Nicolas et Maria seront toute leur vie spectateurs malheureux de la vie de Suzanne. Puis Katell Quillévéré poursuit par une scène de pique-nique familial autour de la tombe de la maman nous signifiant déjà l’incroyable force du lien qui unit des êtres qui s’aiment.

Suzanne est au cœur de cette histoire et fait basculer la destinée de ses proches par ses actes qui déferlent avec la force et l’impétuosité de sa jeunesse. A l’adolescence elle annonce à son père qu’elle est enceinte et prend la décision de garder son enfant qu’elle prénommera Charlie. Puis lorsqu’elle a une vingtaine d’années elle rencontre un jeune malfrat à la mine angélique, Julien (Paul Hamy), et c’est l’amour fou. Au point de le suivre dans ses exactions et de tout plaquer : la relation fusionnelle avec sa sœur, son père et son fils. Leurs vies seront alors bouleversées et dévastées par le chemin escarpé et pavé d’obstacles de cette jeune femme écorchée vive, à la fois vulnérable et intrépide.

Suzanne réussira-t-elle à retrouver les siens, à résister aux épreuves de la vie pour de nouveau bâtir une nouvelle histoire aux côtés de sa famille ?

« Suzanne » est le second long-métrage de la cinéaste Katell Quillévéré, après « Un poison violent ». La réalisatrice fait souvent référence à la Suzanne d’ «A nos amours » de M. Pialat, qui l’a profondément touchée. Et pour l’élaboration du travail d’écriture, elle et sa co-scénariste ont été influencées par deux films. Le premier, « Il était un père » (1942) d’Y. Ozu traite de la relation poignante entre un père et un fils durant une vingtaine d’années et est organisé selon une structure elliptique temporelle étonnante. Le second est « Baptême » de René Féret qui conte sur presque trente ans l’histoire émouvante d’une famille. Quant à la composition des personnages, elle s’est nourrie des témoignages de femmes qui ont partagé la vie tourmentée et les affres de malfaiteurs. Leurs paroles divulguent l’enchevêtrement d’une intrépidité des actes avec les dispositions du cœur les assujettissant à une soumission dévastatrice. Voilà donc toute la partie de la genèse de « Suzanne », de ce récit d’une destinée tumultueuse qui rendra bien difficile le quotidien de ses proches, si désarmés et mutilés par ses absences.

Une structure narrative qui se nourrit de l’ellipse

Katell Quillévéré cimente formellement son film en usant de l’ellipse de manière magistrale.

Elle va privilégier la trajectoire sentimentale et émotionnelle de Suzanne plutôt que de filmer ses escapades coupables et assassines. Chaque césure temporelle, qui dure plusieurs années, cache des faits et des actes déterminants de la vie de Suzanne. Seules les conséquences de ses absences et de ses fautes délictueuses transpercent l’écran, à travers les traits et les expressions des visages, en montrant les relations compliquées qu’ont engendré le manque et les changements que Suzanne a provoqués dans la vie de chaque membre de cette famille.

Les cavales de Suzanne sont éludées, ses retours sont des instants de vie bouleversants, tragiques. Pour elle même, pour Nicolas, pour Maria et pour Charlie.

La cinéaste choisira même, à un moment, de nous faire partager l’absence de Suzanne. Tout en se consacrant à ses proches, elle nous invite à ressentir la toute puissance que la jeune femme a sur eux, sur leur quotidien, sur leur vécu. Même hors-champ, Suzanne est présente, à chaque seconde.

Maria, la lumineuse Adèle Haenel, se fragilise et ne fait que survivre à sa disparition, elle qui avait toujours protégé sa grande sœur. Elles sont toutes deux si fusionnelles que le parcours existentiel de Maria est totalement bouleversé par les évènements occasionnés par sa sœur. Son amour est incommensurable, sa volonté de rester droite et fidèle malgré les épreuves lui fait tenir le coup. Sans excès. Aux antipodes de Suzanne.

Quant à François Damiens, il joue avec une touchante sensibilité un père chauffeur-routier se consacrant complètement à ses filles, d’une manière malhabile mais tendrement affectueuse.

Tout l’univers du film transparaît grâce à cette dynamique du récit où les béances temporelles charpentent un mode elliptique dont les répercutions affectives sont poignantes.

Katell Quillévéré nous révèle une Suzanne qui veut se sentir vivante. Son héroïne est impulsive, vigoureuse, déraisonnable, mais elle est avant tout amoureuse. Et c’est ce que la cinéaste désirait avant tout : faire un « film d’amour de bout en bout, même si il y a un côté sombre, parfois violent ». Elle ne la juge pas. Elle transmet ses envies, sa passion, son irrépressible appétit pour la liberté même si sa quête est éperdue, exaltée et naïve. Sara Forestier la porte avec tant de sensibilité que nous sommes touchés par sa présence et son éclat. Mais ce n’est pas elle que l’on verra dans le dernier plan du film, mais Charlie, son fils, symbole de la transmission et de la continuité de la vie, malgré les épreuves.

Date de sortie : 18/12/2013 - Réalisation de Katelle Quillévéré - Scénario de Mariette Désert et Katelle Quillévéré - Acteurs : Sara Forestier, François Damiens, Adèle Haenel - Photographie de Tom Harari - Production : Move Movie - Distribution : Mars Distribution

Amputée de sa « moitié », elle tente d’oublier sa douleur et sa détresse dans l’alcool. Une grande amie de jeunesse l’invite alors à passer le réveillon de fin d’année chez elle. Elle y retrouve ses grandes copines de lycée, s’enivre et danse jusqu’à minuit. C’est alors qu’elle se débarrasse de son alliance, puis s’évanouit pour se réveiller dans les années 80, à l’âge de 16 ans.
Noémie Lvovsky a choisi de jouer elle-même son rôle de lycéenne. Et c’est Samir Guesmi qui joue son propre rôle jeune. Le spectateur se retrouve alors face à deux adultes rejouant leur adolescence avec leur physique actuel. C’est une idée pour le moins singulière, extravagante mais absolument réjouissante.
Camille va revivre cette période avec une nuance prééminente: elle connaît son avenir et a gardé sa conscience d’adulte, avec bien évidemment la maturité qui en découle. Nous saisissons dès lors toute la folie et les interrogations que ce déplacement temporel suscite. Est-il possible de changer les évènements du passé et d’altérer le futur ?
Camille doit-elle tenter de résister à Eric (le film se passe au moment de leur rencontre) ? Et même si elle le désire, est-elle en mesure de modifier l’essence même de sa nature intime ?
Quant à la mort d’un être cher, Camille pense-t-elle vraiment qu’elle peut la différer ?
Les retrouvailles de l’héroïne avec ses parents (joués par Yolande Moreau et Michel Vuillermoz) sont un moment attendrissant, bouleversant. Camille les embellit avec une sensibilité qui nous touche profondément ; elle s’offre le plaisir de profiter une dernière fois de sa maman dont elle sait qu’elle va très bientôt mourir d’une rupture d’anévrisme. La vision de Camille est clairvoyante. Elle prend un plaisir infini à revivre l’euphorie de sa jeunesse dans un film où la mélodie du bonheur juvénile nous emporte dans une reconstitution des années 80 qui rappellera à certains l’atmosphère de leurs plaisirs fantasques.
Noémie Lvovsky nous offre un film espiègle, sentimental, malicieux, drôle et romantique. L’amour, la force de l’amitié, la mort et le temps qui s’écoule sont des thèmes chers à la réalisatrice, qu’elle aborde avec beaucoup de sensibilité et de fantaisie.
Sortie de le Femis à la fin des années 80, Noémie Lvovsky est devenue scénariste, puis réalisatrice. Mais elle exerce aussi depuis 2001 le métier d’actrice avec un talent indéniable. Elle nous séduit sur tous les fronts et prouve une fois de plus qu’elle nous est indispensable.

Damien (Jean-Pierre Bacri), personnage central de cette histoire, est un professeur de civilisation chinoise marié à une «metteur en scène» de théâtre, Iva (Kristin Scott Thomas). Celle-ci insiste vivement pour qu’il demande à son père, président du Conseil d’Etat, d’intervenir auprès d’un de ses amis haut-placé pour sauver une jeune femme serbe, Zorica (Isabelle Carré), de l’expulsion. Mais cette demande va causer bien des désagréments. Damien, qui entretient des rapports complexes avec son père (Claude Rich), repousse l’idée de le contacter depuis bien longtemps et se retrouve maintenant dans l’obligation d’agir rapidement. Ces multiples «entretiens» vont mettre en exergue une incommunicabilité dévastatrice où chaque entrevue, au lieu de dénouer le problème, mène systématiquement Damien vers une situation à la fois dramatique et burlesque, tant l’incongruité de certaines rencontres nous interpelle. Comme à son habitude Pascal Bonitzer met en scène des personnages issus d’un milieu intellectuel bourgeois. Leur univers va tout d’un coup péricliter, les troubles et les déséquilibres de chacun surgissant et mettant à mal ce petit monde bien installé. En bref c’est la débâcle. Damien est enfin forcé de sortir de sa léthargie habituelle, son fils fait figure de pré-adolescent au jugement impitoyable et Iva, sa femme, finit par le quitter pour un acteur plus jeune et plus attirant. Un de ses proches amis, joué par Jacky Berroyer, incarne un type suicidaire follement troublé par une femme plus jeune que lui...

Face à cette drôle de tribu, il y a Aurore, cette jeune femme fraîche et spontanée que Damien rencontre plusieurs fois par hasard (sans se douter qu’elle est la Zorica qu’il doit «sauver»). Elle vit des moments difficiles mais sa vitalité l’emporte sur l’inertie de ce professeur bougon, désabusé mais attachant. Isabelle Carré est éminemment lumineuse et seule sa présence suscite chez Damien une certaine bienveillance. Jean-Pierre Bacri, lui, joue à merveille cet être emprisonné dans une existence cloisonnée et confortable, où l’ennuile submerge indéniablement. La crise qu’il va rencontrer, en affrontant ce problème bien réel des sans-papiers, va lui permettre d’affronter ses propres blessures affectives.

Ses confrontations avortées d’avec son père sont de petits bijoux de comédie sarcastique. Claude Rich est effroyablement jouissif en figure paternelle cruelle. Pascal Bonitzer, que nous avons connu critique et théoricien du cinéma, a laissé de belles traces dans l’univers cinématographique, autant en tant que scénariste qu’en tant que cinéaste. Il nous prouve encore une fois que sa présence dans le cinéma d’auteur français est un bienfait pour nous autres, spectateurs. Et ne comptez pas sur nous pour vous dévoiler qui est Hortense. Rendez-vous dans les salles obscures et cherchez...